26 septembre 1898

Naissance à Brooklyn de Jacob Gershowitz, plus connu sous le nom de George Gershwin.

George Gershwin fut l’un des compositeurs américains les plus importants et les plus populaires de tous les temps. Il écrivit principalement pour le théâtre musical de Broadway, mais ses compositions pour orchestre et piano lui permirent de combiner, à des degrés divers, les techniques et les formes de la musique classique avec les nuances et techniques stylistiques de la musique populaire et du jazz.

Gershwin était le fils d’immigrants juifs russes. Alors que sa famille et ses amis n’étaient pas enclins à la musique, Gershwin commença à s’intéresser à la musique en découvrant les compositions populaires et classiques qu’il entendait à l’école et dans les salles de jeux. Il commença son éducation musicale à 11 ans, lorsque sa famille acheta un piano droit d’occasion pour que le frère aîné de George, Ira, puisse apprendre l’instrument.
Quand George surprit tout le monde avec son interprétation fluide d’une chanson populaire, qu’il avait apprise tout seul en suivant les touches du piano sur le piano mécanique d’un voisin, ses parents décidèrent que George serait le membre de la famille qui prendrait des leçons.
Il étudia le piano avec le professeur renommé Charles Hambitzer, qui initia son jeune étudiant aux oeuvres des grands compositeurs classiques. Hambitzer fut tellement impressionné par le potentiel de Gershwin qu’il refusa d’être payé pour ses cours; comme il l’écrivit dans une lettre à sa soeur: « J’ai un nouvel élève qui laissera sa marque s’il en est un. Le garçon est un génie. »

Gershwin continua d’élargir ses connaissances musicales et sa technique de composition tout au long de sa carrière avec des mentors aussi disparates que les compositeurs américains Henry Cowell et Wallingford Riegger, l’éminent traditionaliste Edward Kilenyi, et Joseph Schillinger, théoricien de la musique. Après avoir abandonné ses études à l’âge de 15 ans, Gershwin gagna sa vie en faisant des bandes perforées pour pianos mécaniques et en jouant dans des boîtes de nuit new-yorkaises. Son emploi le plus important à cette époque consista à faire la promotion de chansons (probablement le plus jeune dans Tin Pan Alley), faisant la démonstration de partitions pour la maison d’édition musicale Jerome Remick. À une époque où les ventes de partitions de musique déterminaient la popularité d’une chanson, les démonstrateurs comme Gershwin travaillaient de longues heures à ressasser des airs au piano pour des clients potentiels.

Bien que la créativité en plein essor de Gershwin fut entravée par ses trois années dans ce «purgatoire» (selon Isaac Goldberg, le biographe de Gershwin), ce fut néanmoins une expérience qui améliora grandement sa dextérité et ses capacités d’improvisation et de transposition. Encore adolescent, Gershwin était connu comme l’un des pianistes les plus talentueux de la région de New York. Il travaillait comme accompagnateur de chanteurs populaires et comme pianiste de répétition pour les comédies musicales de Broadway. En 1916, il composa sa première chanson publiée: «When You Want ’Em You Can’t Get ’Em (When You’ve Got ’Em You Don’t Want ’Em),», ainsi que sa première composition pour piano solo, «Rialto Ripples.» Il commença à attirer l’attention de certaines sommités de Broadway, et le compositeur d’opérette Sigmund Romberg inclut l’une des chansons de Gershwin dans « The Passing Show » de 1916.

Ces premières expériences accrurent grandement les connaissances de Gershwin sur le jazz et la musique populaire. Il appréciait particulièrement les chansons d’Irving Berlin et de Jérôme Kern. Il qualifiait Berlin de «Franz Schubert américain» et déclarait que Kern était «le premier compositeur qui lui avait fait prendre conscience que la musique la plus populaire était de qualité inférieure et que la comédie musicale était faite de meilleur matériau « – et il fut inspiré par leur travail pour composer pour Broadway.

En 1919, Al Jolson interpréta la chanson «Swanee» de Gershwin dans la comédie musicale Sinbad. Ce fut un énorme succès. Plus de deux millions d’enregistrements et un million de partitions furent vendus et firent de Gershwin une célébrité du jour au lendemain.
La même année, « La, La Lucille », le premier spectacle pour lequel Gershwin composa la totalité de la partition, fut créée. Ses chansons les plus populaires incluaient « The Best of Everything,” « Nobody but You,” et « Tee-Oodle-Um-Bum-Bo.” En 1919 également, Gershwin composa sa première œuvre «sérieuse», la « Berceuse pour quatuor à cordes ». Étude d’harmonie composée par Gershwin comme exercice pour Kilenyi, la beauté délicate de la Berceuse transcende ses origines académiques. Ira Gershwin publia l’œuvre plusieurs années après la mort de George et elle devint une favorite des quatuors à cordes et des orchestres symphoniques.

Au cours des années suivantes, Gershwin composa diverses chansons et des revues de Broadway. De 1920 à 1924, il composa des partitions pour les productions annuelles des « Scandals » de George White, la populaire revue de variétés, produisant des standards tels que “(I’ll Build a) Stairway to Paradise” and “Somebody Loves Me.”
Pour le spectacle de 1922, Gershwin réussit à convaincre White d’incorporer un opéra de jazz en un acte. Cette oeuvre, « Blue Monday » (plus tard retravaillé et rebaptisé « 135th Street »), fut mal reçue et retirée du spectacle après une représentation.
Le chef Paul Whiteman, qui avait dirigé l’orchestre dans la fosse pour le spectacle, avait néanmoins été impressionné par la pièce. Gershwin et lui partageaient l’objectif commun d’apporter de la respectabilité à la musique de jazz qui, en 1922, était encore considérée comme une musique «dégradante, pathologique, irritante pour les nerfs».

À la fin de 1923, Whiteman demanda à Gershwin de composer un morceau pour un prochain concert intitulé « An Experiment in Modern Music”. D’après la légende, Gershwin avait oublié la demande jusqu’au début de janvier 1924, lorsqu’il lut un article de journal annonçant que le concert de Whiteman du 12 février afficherait en vedette une nouvelle composition majeure de Gershwin. Travaillant à un rythme effréné, Gershwin composa « Rhapsody in Blue », peut-être son œuvre la plus connue en trois semaines.

En raison de la précipitation avec laquelle elle avait été écrite, « Rhapsody in Blue » était quelque peu inachevée lors de sa première. Gershwin improvisa une grande partie des solos de piano pendant la représentation, et le chef d’orchestre Whiteman dût compter sur des clins d’œil de Gershwin pour lancer l’orchestre à la fin des solos. Néanmoins, la pièce connut un succès retentissant et fit la renommée mondiale de Gershwin. L’œuvre révolutionnaire incorporait les particularités de l’idiome musical du jazz (notes bleues, rythmes syncopés, effets instrumentaux onomatopées) dans un contexte symphonique. Gershwin lui-même remarqua plus tard au sujet de son oeuvre:

« Il y avait eu tant de bavardages sur les limites du jazz, sans parler des incompréhensions manifestes de sa fonction. Le jazz, disaient-ils, devait suivre un tempo strict. Il fallait s’accrocher aux rythmes de danse. Je résolus de tuer, si possible, cette idée fausse d’une frappe vigoureuse… Je n’avais aucun plan préconçu dans la tête, aucune structure à laquelle ma musique se conformerait. La Rhapsodie, voyez-vous, a commencé comme un but, pas un plan. »

L’œuvre, arrangée par Ferde Grofé (compositeur de la suite du Grand Canyon) pour orchestre symphonique ou orchestre de jazz, est peut-être la composition orchestrale la plus jouée et la plus enregistrée du XXe siècle. C’est la seule des œuvres majeures de Gershwin que Gershwin n’a pas orchestrée lui-même.

Pendant le reste de sa carrière, Gershwin se consacre à la fois aux chansons populaires et aux compositions orchestrales. Ses spectacles de Broadway des années 1920 et 1930 comportaient de nombreuses chansons qui devinrent des standards:
“Fascinating Rhythm,” “Oh, Lady Be Good,” “Sweet and Low-Down,” “Do, Do, Do,” “Someone to Watch over Me,” “Strike Up the Band,” “The Man I Love,” “’S’Wonderful,” “I’ve Got a Crush on You,” “Bidin’ My Time,” “Embraceable You,” “But Not for Me,” “Of Thee I Sing,” et “Isn’t It a Pity.”
Il composa aussi plusieurs chansons pour des films de Hollywood, comme “Let’s Call the Whole Thing Off,” “They All Laughed,” “They Can’t Take That Away from Me,” “A Foggy Day,” “Nice Work if You Can Get It,” “Love Walked In,” et “Love Is Here to Stay.”
Son parolier pour presque tous ces airs fut son frère aîné, Ira, dont les paroles pleines de caractère – souvent ponctuées d’argot, de jeux de mots, eurent autant de succès que les compositions de George.

Les frères Gershwin formaient un partenariat de composition un peu particulier en ce sens que les mélodies de George venaient généralement en premier, à l’inverse du processus employé par la plupart des équipes de compositeurs. (Quand les intervieweurs demandaient: «Qu’est-ce qui vient en premier, les mots ou la musique?», la réponse standard d’Ira était «Le contrat»).
L’imagination musicale de George était si facile que des chansons de qualité étaient souvent composées en quelques minutes d’improvisation. D’autres fois, il a plongé dans les cahiers d’esquisses de chansons qu’il avait accumulés au fil du temps, (il déclara un jour: «J’ai plus de musique dans ma tête que je ne pourrais en mettre sur le papier en cent ans»), et améliorait un air qu’il avait noté “GT” (pour « Good tune », bonne mélodie).
Ira consacrait alors une semaine ou plus à trouver des paroles adaptées à la mélodie, polissant chaque vers (au point qu’il était surnommé «le bijoutier» par d’autres auteurs-compositeurs) jusqu’à ce qu’il soit satisfait. L’auteur-compositeur Arthur Schwartz a estimé que les travaux d’Ira étaient «des exploits vraiment phénoménaux, quand on considère qu’il devait être brillant dans les rythmes et les accents les plus exigeants».

Une des collaborations les plus connues des Gershwins, «I Got Rhythm», fut interprétée par Ethel Merman dans la comédie musicale « Girl Crazy » (1930). L’année suivante, Gershwin a composé un long et complexe arrangement de piano de la chanson et, à la fin de 1933, il arrangea le morceau en un ensemble de variations pour piano et orchestre. Les variations sur «I Got Rhythm» devinrent une des œuvres orchestrales les plus jouées de Gershwin. En outre, la structure à 32 mesures de «I Got Rhythm» devint la progression harmonique la plus fréquemment utilisée dans l’improvisation de jazz, après celle du blues traditionnel à 12 mesures.

La partition pour piano de Gershwin pour «I Got Rhythm» faisait partie d’un projet plus vaste lancé en 1931, « George Gershwin’s Songbook ». Une collection des favoris personnels de Gershwin parmi ses nombreux airs, elle présentait les adaptations du compositeur conçues pour des pianistes au-dessus de la moyenne. Ils offrent un aperçu précieux de l’utilisation du rythme et de l’harmonie chez Gershwin, et sont devenus des morceaux de base en concert pour plusieurs pianistes de renom au fil des années et ont parfois été adaptés en arrangements d’orchestre complets.

En 1925, la « Symphony Society » de New York demanda à Gershwin d’écrire un concerto, ce que amena le compositeur à commenter: «Cela montrait une grande confiance de leur part car je n’avais jamais rien écrit comme pièce symphonique auparavant… Je commençai à écrire le concerto à Londres, après avoir acheté quatre ou cinq livres sur la structure musicale pour découvrir ce qu’était la forme réelle du concerto!»
L’œuvre qui en résulta, le Concerto en fa (1925), est la composition la plus longue de Gershwin et se divise en trois mouvements traditionnels de concerto.
Le premier mouvement suit vaguement une structure de sonate d’exposition, de développement et de récapitulation, et il s’approprie les thèmes et les rythmes du populaire «Charleston».
Le deuxième mouvement – la «marque du talent de [Gershwin]», selon Walter Damrosch , qui dirigea la première représentation de l’œuvre – est une adaptation lente et méditative des progressions de blues,
et le troisième mouvement – «une orgie de rythmes», selon Gershwin – introduit de nouveaux thèmes et revient, à la manière du rondo, aux thèmes du premier.
Bien qu’il n’ait pas été aussi bien reçu à l’époque que Rhapsody in Blue, le Concerto en fa fut finalement considéré comme l’une des œuvres les plus importantes de Gershwin et peut-être le concerto américain pour piano le plus populaire.

« An Américan in Paris » (1928), la deuxième composition orchestrale la plus célèbre de Gershwin, s’inspire des voyages du compositeur à Paris tout au long des années vingt. Son intention déclarée avec cette oeuvre était de «dépeindre les impressions d’un visiteur américain à Paris alors qu’il se promène dans la ville, écoute divers bruits de la rue et absorbe l’atmosphère française».
A cette fin, Gershwin incorpora des touches de vraisemblance telles que de vrais klaxons de taxi français. C’est cette pièce qui présente peut-être le mieux l’emploi fait par Gershwin à la fois du jazz et des formes classiques. La structure harmonique de « An American in Paris » est ancrée dans les traditions du blues (notamment la section médiane du «Homesick Blues») et les solistes doivent souvent déformer, faire glisser et gronder certaines notes et certains passages, à la manière des musiciens de jazz des années 1920.
Les mélodies qui sont répétées et embellies tout au long de l’œuvre ne sont cependant jamais sujettes à des modifications – l’antithèse de la philosophie du jazz qui considère la mélodie comme un vague cadre pour une décoration imaginative.
Avec ses rythmes variés et sa structure libre («Cinq sections réunies plus ou moins par intuition», selon un critique), « An American in Paris » semblait plus une musique de ballet que symphonique et, en effet, la pièce connut son apogée 23 ans après sa première, quand elle utilisée par Gene Kelly pour la séquence de ballet de clôture du film musical éponyme classique en 1951.

Les autres grandes compositions orchestrales de Gershwin grandirent en stature et en popularité au fil des ans. Sa deuxième Rhapsody (1931) vit le jour sous les titres de travail «Manhattan Rhapsody» et «Rhapsody in Rivets» et fut présentée, sous forme embryonnaire, comme une musique accessoire dans le film « Delicious » (1931). Peut-être la plus expérimentale des œuvres majeures de Gershwin, elle fut saluée comme sa composition la plus parfaite en termes de structure et d’orchestration.
L’ouverture cubaine de Gershwin (1932), inspirée par «deux semaines hystériques à Cuba sans sommeil», utilisait des rythmes de rhumba et des instruments de percussion tels que claves, maracas, tambours bongo et gourdes, à l’époque tous inconnus aux États-Unis. Il s’agit d’une œuvre fréquemment reprise par des chefs d’orchestre symphoniques, qui trouvent son humeur décontractée et festive parfaite pour un début de concert.

Tout au long de sa carrière, Gershwin connut de grands succès à Broadway avec des spectacles tels que « Lady, Be Good! » (1924) « Oh, Kay! » (1926), « Strike Up the Band » (1930), « Girl Crazy » (1930) et surtout la satire politique audacieuse « Of Thee I Sing » (1931), pour laquelle Ira et les librettistes George S. Kaufman et Morrie Ryskind partagèrent un prix Pulitzer. Ces spectacles à succès à leur époque, sont (sauf pour la musique de Gershwin) largement oubliés aujourd’hui.

Ironiquement, son œuvre pour Broadway la plus durable et la plus respectée, « Porgy and Bess », fut mal accueillie lors de sa création en 1935. « L’opéra populaire américain » de Gershwin lui avait été inspiré par le roman de DuBose Heyward « Porgy » et le livret fut écrit par Ira et l’équipe mari et femme, de DuBose et Dorothy Heyward.
Pour préparer le spectacle, Gershwin passa du temps dans les régions rurales du sud, afin d’étudier de première main la musique et le mode de vie des Afro-Américains pauvres.
Les critiques de théâtre reçurent la première production avec enthousiasme, mais les critiques de « grande musique » ridiculisèrent l’oeuvre, désolés qu’une musique populaire de « bas étage » soit incorporée dans une composition d’opéra.

Au fil des années, l’œuvre a été critiquée par le public noir pour sa représentation condescendante de personnages stéréotypés et pour son appropriation inauthentique de formes musicales noires.
Néanmoins, la musique de Gershwin – y compris des standards tels que “Summertime,” “It Ain’t Necessarily So,” “Bess, You Is My Woman Now,” et “I Got Plenty O’ Nuttin’” – transcendèrent les premières critiques pour atteindre un niche admirée dans le monde musical, en grande partie parce qu’elle fusionne avec succès diverses cultures musicales pour évoquer quelque chose d’authentiquement américain et entièrement Gershwin.

« Porgy and Bess » reçut une reconnaissance tardive dans les années 1952-1954 lorsque le Département d’Etat américain le choisit pour représenter les Etats-Unis dans une tournée internationale, au cours de laquelle il devint le premier opéra d’un compositeur américain à se produire à la Scala de Milan.

Bien que l’oeuvre soulève toujours des questions politiques, les attitudes contemporaines à l’égard de l’œuvre se reflètent dans une déclaration de Grace Bumbry, qui a interprété Bess dans une nouvelle production largement appréciée au Metropolitan Opera en 1985: « Je n’aimais pas le rôle au départ, peut-être parce que je ne connaissais pas vraiment la partition, et je pense aussi à cause de l’aspect racial. Je pensais que c’était en dessous de moi, je sentais que j’avais travaillé trop dur, que nous étions arrivé trop loin pour régresser jusqu’en 1935. Ma façon de traiter le problème fut de voir que c’était vraiment un morceau de culture américaine, de l’histoire américaine. »
Aujourd’hui, la partition de « Porgy and Bess » est considérée comme le plus grand chef-d’œuvre de Gershwin.

Gershwin était connu comme un homme sociable dont l’énorme ego était tempéré par une personnalité véritablement magnétique. Il adorait son travail et abordait chaque mission avec enthousiasme, sans jamais souffrir du «blocage du compositeur».
Au cours de la première moitié de 1937, Gershwin commença à éprouver de graves maux de tête et de brèves pertes de mémoire. En juillet, Gershwin présenta des troubles moteurs et une perte de poids drastique, et il eut besoin d’aide pour marcher.
Le 9 juillet, il tomba dans le coma et un prélèvement de moelle épinière révéla la présence d’une tumeur au cerveau. Gershwin n’a repris jamais conscience et décéda pendant l’opération chirurgicale deux jours plus tard.
Il était au sommet de sa puissance créatrice avec plusieurs projets non réalisés devant lui (parmi lesquels des esquisses pour un nouveau quatuor à cordes et une nouvelle symphonie, une proposition de ballet et des collaborations sur des comédies musicales avec George S. Kaufman et DuBose Heyward).
Sa mort stupéfia les Américians, dont les sentiments collectifs peuvent être résumés par une déclaration célèbre du romancier John O’Hara: « George Gershwin est mort le 11 juillet 1937, mais je ne suis pas obligé de le croire si je ne veux pas. »

Ira Gershwin, si dévasté qu’il ne parvint pas à travailler pendant plus d’une année après la mort de George, devint le curateur de l’héritage de son frère. Plus tard, il supervisa la sortie de plusieurs compositions inédites de Gershwin, dont plusieurs œuvres pour piano, la « Berceuse pour quatuor à cordes » et la « Catfish Row Suite » de Porgy and Bess (une œuvre reconstituée après la clôture du spectacle et désormais considérée comme la dernière oeuvre orchestrale à avoir été composée par Gershwin). Ira mit également des paroles sur des airs des cahiers de George, créant de «nouvelles» chansons de Gershwin pour les films « The Shocking Miss Pilgrim » (1947) et « Kiss Me, Stupid » (1964). Il continua à avoir du succès avec d’autres collaborateurs, notamment Kurt Weill, Jerome Kern et Harold Arlen.

La musique de Gershwin reste un sujet de débat parmi les chefs d’orchestre, compositeurs et érudits internationaux de premier plan. Certains d’entre eux trouvent que ses œuvres pour orchestre sont naïvement structurées, rien de plus que des mélodies accrocheuses reliées par les plus pauvres des liens musicaux. En 1954, Leonard Bernstein résuma les sentiments de nombreux musiciens classiques en disant: «Les thèmes sont formidables – inspirés, donnés par Dieu. Je ne pense pas qu’il y ait eu un mélodiste aussi inspiré sur cette terre depuis Tchaïkovski. Mais si vous voulez parler d’un compositeur, c’est autre chose.»

Néanmoins, les réalisations de Gershwin sont considérables: il se classe (avec Irving Berlin, Cole Porter et Richard Rodgers) parmi les quatre plus grands compositeurs du théâtre musical américain, ainsi que le seul compositeur populaire du XXe siècle à avoir eu un impact significatif et durable sur le monde de la musique classique.

Il eut de grands admirateurs dans le domaine classique, y compris des personnalités comme Arturo Toscanini, Fritz Reiner, Arnold Schoenberg, Maurice Ravel, Sergey Prokofiev et Alban Berg, qui ont tous cité le génie de la mélodie et de l’harmonie de Gershwin. Ses œuvres orchestrales, désormais interprétées par la plupart des prestigieux orchestres symphoniques du monde, ont atteint un statut auquel Gershwin aspirait de son vivant.
Aaron Copland et Charles Ives peuvent rivaliser avec Gershwin pour le titre de «grand compositeur américain», mais leurs œuvres ont tendance à être admirées, alors que celles de Gershwin sont aimées.
Comme l’a déclaré le célèbre musicologue Hans Keller, « Gershwin est un génie dont le style cache la richesse et la complexité de son invention. Il y a en effet des points faibles, mais qui se soucie d’eux quand il y a de la grandeur? »

(Source: Encyclopedia Britannica)